Reseñas/ Reviews

Entérate de lo que pasó en los eventos sociales artísticos del oeste. Ya sea en aperturas de exposiciones, festivales, arte en vivo, fiestas artísticas, entre otros.

16 de febrero de 2020.

Entrevista: Emily M. Rodríguez

Edición: Anabel De Jesús Vélez y Anna I. Castilloveitía

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                       n este mundo acelerado, quien no ha perdido su celular seguramente, ha perdido las llaves. ¿Qué hay del hilo? De los tres es, probablemente, el elemento que más se declara extraviado. Este material de carácter sútil, versátil y flexible enlaza física y metafóricamente nuestro mundo. La exhibición Hilo: Textil en el Arte Contemporáneo aprovecha las cualidades físicas y simbólicas del material.

    Hilo se exhibe por segunda vez, en esta ocasión en la Galería Chardón de la Universidad de Puerto Rico Recinto de Mayagüez. La curadora Annie Y. Saldaña crea este proyecto donde, a través del textil, se explora la percepción del ser, la intervención de la naturaleza humana en la transformación del artista y el papel que este desempeña dentro de la sociedad. Cerca de veinte artistas, en su mayoría mujeres, componen esta exposición. Entre ellas figura la profesora Claudia Torres Guillemard.  

    La profesora se enfoca en la cerámica y la escultura, pero en la exhibición Hilo continúa la exploración que inició en la Exposición Búsquedas Encontradas; la unión del barro y el textil.  La artista observa en estos materiales la representacion de la mujer moderna frente a la mujer tradicional. El contraste en las propiedades de cada material hace eco la diferencia en valores. La suavidad y la flexibilidad del textil expresan el discurso tradicional femenino, mientras que la firmeza e inflexibilidad del barro tratado manifiestan el discurso moderno. Aunque las piezas expresan un rechazo a la imagen frágil y pura, avanzan a rescatar y revitalizar la tradición del ganchillo o "crochet".  

Lo pienso seguir trabajando porque encontré que la cerámica es una metáfora para la mujer. Ésta tiende a ser o nos dice que debemos ser maleables y dominables, pero cuando nos ponemos a la prueba de fuego siempre somos fuertes... 

Obras: La fuente de vida y Nagua, Claudia Torres Guillemard, 2020

Fotografia: Emily M. Rodriguez

    La obra La fuente de vida asemeja un óvulo, la célula recipiente de la vida. El textil expone la complejidad de los procesos que atraviesan estas células a través de la contorsión de formas, así como la variedad de patrones y texturas. En cambio, la

obra  Nagua presenta la ideología feminista moderna por medio del color sobre  una prenda de vestir representativa del discurso tradicional. La nagua es una falda blanca que se utiliza en el interior de trajes o faldas. La misma es simbolo de la modestia y la delicadeza característica del pasado. La mujer contemporánea es fuerte y su fortaleza le ha conducido a observar su cuerpo de manera distinta. El uso del rojo hace que una pieza interna, oculta, sea visible. Asimismo, sugiere que el proceso de la menstruación no tiene por qué ocultarse.

         ...el  textil encuentro que es importante porque con esa fuerza nos hemos transformado en mujeres más independientes, feministas. Así perdemos un poco nuestras tradiciones y ese acto de que nuestras abuelitas nos pasaban el arte al casarnos. Ya no queremos casarnos, y hemos perdido esa tradición.

    Por otro lado, tenemos a Lillian Nieves Rivera, graduada de la Escuela de Artes Plásticas en P.R. con maestría en un programa de residencias que le permitió viajar y estudiar. La artista, con más de 20 años de experiencia, trabaja con rituales y estándares de belleza. 

Nieves disfruta  rotando entre diferentes medios. Uno de los objetos más utilizados en su obra es la corona. De hecho la artista explica que ya había creado la corona en diferentes medios. Para esta exposición se inspiró en su madre. Nieves comparte que un consejo que le había dado a su madre era entretenerse tejiendo. Esta práctica ha sido la salvación para su mamá. Esta experiencia la artista decide ponerla en metáfora con la corona. Dado que con la corona su madre ha logrado desenvolverse mejor. De ahí salen Crochet Crown 1 y Crochet Crown 2.

Obras: Crochet Crown 1 y Crochet Crown 2, Lilian Nieves Rivera, 2020

Fotografia: Emily M. Rodriguez

         A mí no me gusta bregar con pares pero siempre hay un rey y una reina. Siempre hay dos géneros ¿no? dos sexos y por eso una es más alta que la otra. Pues tú te identificas con cuál y es bien curiosa la gente ‘Yo con la alta… yo con la chiquita’. Sabes cómo esa pelea sigue existiendo en los estándares que llevamos hoy.

     El propósito de que mis coronas estén en hilo es que te identifiques con cualquiera de las dos, que no dejes de tener rituales en tu vida y te tires el selfie con ellas. Me taggeas 

    Hilo es una exposición versátil, pues los materiales utilizados no son simplemente “hilo”, el público también podrá apreciar la incorporación de fotos y videos. Cada pieza tiene un estilo radicalmente diferente, no obstante comparten suficientes similitudes que las  enlazan. A pesar de la diversidad de temas y la variedad de experiencias que evocan, las obras estan unidas como por hilos pequeños a este medio. La exposición estará disponible hasta el 27 de febrero.

Para seguir a estas artistas

            IG: @torresguillemardart y @lilliamnieves_artist

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Exposición:

Expresó desde el Corazón 

7 de noviembre 2019

Entrevista y Edición: Emily M. Rodríguez

Transcripción: Anna I. Castilloveitia 

Una exposición mayormente abstracta, llena de colores y líneas hechas con acrílico y marcador en lienzo. Compuesta de los cuadros más importantes para el joven artista José Ángel Báez Christopher; entre obras ya vendidas y obras no a la venta. El artista experimentó hasta lograr un estilo único y reconocible cual expresa parte de su vida y desarrollo de su técnica. 

 

El artista utiliza diferentes colores en sus obras, mayormente el azul. Hace brochazos gruesos y curvas rápidas. Luego añade otras curvas un poco más controladas en sus obras con un marcador sharpie. “Fui directo a la técnica, yo digo que la práctica, experimentando con acrílico, óleo, etcétera, llegué a ella y ella llegó a mí también, así que continué la práctica de ese estilo.” cuenta Báez.

 

José Ángel Báez es un estilista hace nueve años. Desde pequeño el arte era parte de su vida pero se desconectó y lo volvió a reencontrar recientemente. Hace un año y medio comenzó su experimentación. Empezó a llegar a espacios y simplemente montar el canvas y pintar. También acompañando a su amigo dj Christian Pellicier a espacios a hacer arte junto con su música. “Y lo demás ha sido, yo diría, que atreverme a exponerme.” añade Baez. 

 

¿Y qué proyectos tienes para el futuro?

“En un futuro…Ouf una pregunta fuerte. Pues yo diría que seguir exponiendo, seguir

experimentando. Seguir inspirando a otros artistas a hacer arte y compartir mi arte. Yo diría que es lo más importante.”

 

¿Qué tú le recomendarías a otros artistas que están empezando?

“Que no sigan una línea, que sigan su interior. Que no se dejen llevar por lo que el profesor le diga, sino que se dejen llevar por su intuición. Y que experimenten, porque yo no he cogido ninguna clase de arte. No es que mi arte… Yo entiendo que tiene otras facetas para evolucionar, pero que poco a poco he descubierto algo que no me ha enseñado otro; sino yo mismo en el proceso de experimentar.”

 

 

Exposición fue inaugurada el 18 de octubre 2019 y estará disponible hasta el 8 de noviembre 2019. Galería Betances, Mayagüez, Puerto Rico. 
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WondeRum: Art and Tech Exhibition

Reseña escrita: Emily M. Rodríguez

Editora: Laura Rodríguez

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Al entrar a la sala, se siente inmediatamente una transportación a otro lugar, mientras olvidas el hecho de que estás en un museo: la sala abre con un par de armarios que sirven de compuertas al mundo tecnológico de los audiovisuales hacia un entorno más oscuro y estratégicamente dividido para seguir las obras de arte . Se entra con una explicación de la exposición y luego se recorre a cada obra cuales, en la apertura, fueron presentadas por su respectivo artista. Algunas de las obras más llamativas, eran aquellas que integraban las obras de arte con un juego de luces y colores, tactos sorpresas y sonidos peculiares.  Algunos de los artistas que  forman  parte de este proyecto son: Alexxa González Rivera, Adalberto Vélez Rodríguez, Anginelly de Peña, Jan Vázquez, José Soler, Kensy Bernadeau Rivera y, nuestra co-fundadora de Chroma, Anna I. Castilloveitia.

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Una de las obras realizadas por la artista visual y ex-alumna de la UPRM, Anna I. Castilloveitia, se titula "Imagine: Reach for the stars”. Esta se trata de una escultura de una cabeza hecha con un bloque de yeso, pintada con acrílicos que alumbran en la oscuridad. Alrededor se encuentran unas nubes de algodón con luces LED,creando así la mágica sensación de un aura. Con esta obra, Castilloveitia nos expresa la infinidad de la capacidad mental humana.

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Otra obra cautivadora de la exposición fue la escultura de Kensy Bernadeau titulada como “Hidden Paradise, elaborada con papel y otros materiales para crear un árbol con el cual se puede interactuar, sentándose dentro de este ya que provee una pequeño asiento. Al mirar hacia arriba ya sentados allí, se encuentra dentro una nubes sintéticas llenas de luces, imitando una tormenta eléctrica cual él podía controlar desde su teléfono con aplicaciones conectadas a la iluminación a través de WiFi. Bernadeau crea una obra bien llamativa, dinámica y dirigida especialmente para los niños que pueden fácilmente sentarse a observar una experiencia especial.

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Además, se encontraba otra curiosa obra, la cual nadie dejaba de tocar y creaba un ambiente. Titulada “Flora y fauna melódica” (2018), creada por Jan M. Vázquez Rodríguez, era la de las piezas elaboradas con pinturas con conductores, donde el espectador tocaba un lugar de la obra y esta nos emitía a través de un altavoz escondido con sonidos programados. La composición es una simple de contornos del coquí, la cotorra y una maga. El sonido que más resonaba era el del coquí, tan familiar a los oídos, tan nostálgico para quienes se criaron en la isla del encanto.

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Por último, merece mención la pieza titulada como “The Technology that Passes Through Body and Mind”, por Adalberto Vélez Rodríguez. Esta era una escultura bastante compleja hecha con luces LED e impresión 3D. El artista hace una ilusión con perspectiva infinita con iluminación usando espejos debajo de una cabeza que da la apariencia de un “cyborg”. El artista busca representar esa integración tan homogénea que hemos llegado con la tecnología, en sus usos y en nosotros mismos como parte de nuestra cotidianidad.

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La exposición es una que transforma la experiencia artística de lo que normalmente se ve en los museos; es ir más allá de deleitar una pieza sino también ser parte de su entorno como espectador. Hablo de expandir los sentidos estéticos en el conjunto con la tecnología para una experiencia más allá de lo bidimensional. Vale la pena ir a ser teleportados a otra faceta museística, innovadora, galáctica posiblemente y auténtica. La apertura tomó lugar el jueves, 22 de agosto del 2019 a las 7:00PM , en el MUSA, y esperamos que esté disponible al público en general hasta el 16 de noviembre de 2019. Para los horarios del museo, visiten su página de Facebook, MUSA - UPRM, o llamen al 787 - 832 - 4040, ext. 5775.

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Un Gran Juego de Búsquedas Encontradas: Crítica de arte sobre exposición

Septiembre 12, 2019.

Redacción: Anabel De Jesús Vélez • Edición: Gloribel De Jesús Vélez

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La Galería de Arte del Departamento de Humanidades de la Universidad Puerto Rico, Recinto de Mayagüez, acogió desde el pasado jueves, 22 de agosto la exposición colectiva Búsquedas Encontradas de Alfredo Ortiz, Ramón López Colón, Claudia Torres Guillemard, Baruch Vergara, Lilliam Larregoity y Marco Antonio Maffioli, profesores de la Facultad de Arte. Una búsqueda de respuestas o explicaciones nos conduce al encuentro de una realidad que parece estar en blanco y negro: lo justo y lo injusto, la dicha y la desdicha… un acercamiento claro a temas que afectan la sociedad actual. El diálogo se desata en hilos conectores de empatía, conciencia, redefinición, reflexión, preeminencia y espiritualidad, conectando contenidos y diversas propuestas artísticas.

Como leña, una figura tallada en madera hace su estancia sobre un banco público, recostada sobre tablas de madera con numerosos clavos que penetran su integridad. La obra Leña pero $iento el a$iento al ¢iento por ¢iento parece ser un recordatorio a las innumerables ocasiones en que deambulamos en honrada compañía por la misma acera donde el Otro hace su alcoba. Deambulamos en rumbo fijo, evitando conectar con la realidad ajena. Ortiz parece extender invitación a apreciar con presencia la realidad del pordiosero sin juzgar su vía, sino observar con empatía y ponerse en sus zapatos. Se trata de un arte que exalta vida por vida; la realidad de un solo individuo puede ser reflejo de un colectivo.

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Deambulando sin rumbo fijo como pordiosero parece ser la realidad del puertorriqueño, que como cordero sometido al dominio estadounidense, sueña vivir un mejor porvenir. El “sueño americano” suele ser destino turístico de muchos en espera del estado 51. Oda al rapto de la voluntad nos expresa una metáfora de la identidad puertorriqueña mediante pinceladas de paleta limitada a colores primarios, blanco, negro y gris. Su referencia al cordero, símbolo del escudo de Puerto Rico, recostado a los pies de un sillón de madera nos ilustra el colonialismo y sus consecuencias, fomentando la adquisición de conciencia. López Colón nos invita a través de sus propuestas pictóricas a la introspección acerca del contexto histórico de Puerto Rico, sus luchas de identidad y nuestra relación con Estados Unidos. Parecería que nuestra Isla es un cuerpo subyugado al patriarcado.

Que… pensar asignar un rol meramente femenino, maternal y doméstico a la mujer feminista del siglo XXI. La obra plástica de Torres Guillemard propone un acercamiento a la redefinición de la mujer en su esencia. Los materiales seleccionados para la realización de sus obras cumplen un propósito fundamental en el contenido. La femineidad tan frágil como la lana en yuxtaposición del barro pone a prueba su dureza. De igual manera, el cuerpo de la mujer, subestimado en cuanto a fuerza, resistencia y capacidad, se transforma y es digno de representarse en arte como Tributo a la creación. La mujer del siglo XXI no encaja en estándares patriarcales impuestos hace años, décadas, siglos atrás; la mujer de siglo XXI es como el Puerto Rico actual: Se ha levantado y su redefinición ha comenzado a sonar incesantemente.

Sonando en alerta un Dilema en Juego expone con urgencia la crisis ambiental del Planeta. Recibos de compra cubren gran parte de la superficie de la obra, en contraste con el temple de huevo y el papel amate, materiales naturales cuyo uso antepone lo artesanal sobre lo industrial. La obra de Vergara presenta diversas referencias a la cultura consumista y a temas como la contaminación, calentamiento global y otros, en miras de una actitud reflexiva del espectador. La ironía está presente en una sociedad que paga por el agua embotellada para saciarse; aquella que toma 8 vasos de agua diarios para mantenerse saludable pero no se ocupa en mantener limpios sus cuerpos de agua. La naturaleza se convierte en nuestro ente salvador que extiende sus brazos: Las respuestas parecen estar en nuestro entorno natural y todavía hay poblaciones que las buscan en posturas económicas que solo salvan y protegen relaciones de conveniencia entre países. Se asignan precios a cosas que tienen un valor trascendental. Bastaría reflexionar sobre las últimas consecuencias para despertar y depositar nuestro granito de arena. Esta supremacía sobre la naturaleza parece conducir a un rumbo sin salida.

Preeminencia que nace del sentido de superioridad sobre el otro es un tema a su vez propuesto en la obra de Larregoity, quien presenta desde una perspectiva interna  las emociones oprimidas y turbulentas del yo ante una sociedad que grita fuerte. Una figura femenina y expresiva trata de Estrecharse en el interior de un espacio delimitado por el uso del color, dando alusión a una burbuja. El crayón conté en tonos tierra intensifica la escena de la mujer tratando de liberarse. La sociedad ejerce presión en el individuo, tomando control de sus emociones y engañando con el efecto de la palabra para ejercitar la coerción como medio. Desatar los nudos de ese laberinto interno es labor de tormento para quien decide levantarse.

Un debate de preeminencia entre el arte del origami y el ajedrez se hace visible en la obra de Maffioli. El origami como arte orgánico hecho de papel, de origen natural y ancestral, se contrapone al juego de ajedrez producto del intelecto humano; ambos de innumerables estrategias y vías, presentan un Panorama en arte digital. Puede percibirse el origami como la naturaleza en defensa ante la estrategia humana del ajedrez, poniendo en juego la supervivencia de la misma. Tal parecería que se presenta un discurso ambientalista por medio de propuestas artísticas.

La exposición envuelve una búsqueda encontrada que conduce a un diálogo de pertinencia actual que va desde la vida de cada individuo sin importar su condición, la identidad de Puerto Rico, el rol de la mujer en pleno siglo XXI, el medio ambiente y numerosos debates que pueden extraerse de cada obra. Se trata de asuntos que necesitan atenderse mediante reflexión, con empatía y determinación para una redefinición consciente que pueda hacer de Este Gran Juego uno de estrategias victoriosas.
El horario de la galería este semestre es de 10:30am a 4:30pm de lunes a viernes.

Un reflejo de existencia a través del Espejo de la Humanidad

Agosto 30, 2019.

Redacción: Anna I. Castilloveitía
Edición: Anabel De Jesús

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El pasado sábado, 17 de agosto en el Museo Universitario y Senado Académico (MUSA) se celebró la apertura de la exposición retrospectiva Espejo de la Humanidad del maestro del grabado José R. Alicea. El artista ponceño de 91 años es discípulo del maestro Lorenzo Homar y heredero de la generación del 50. Con una extensa trayectoria artística, su trabajo ha sido expuesto en Estados Unidos (Nueva York, New Jersey, Filadelfia, Washington, Boston, California y Texas), Latinoamérica (México, República Dominicana, Venezuela, Argentina y Brasil) y Europa (España, Alemania, Suiza, Polonia, entre otros). El MUSA es la segunda sede de esta exposición que comenzó en el Museo de Historia, Antropología y Arte de la UPR de Rio Piedras y el Museo de las Américas. La exposición cuenta con más de 50 obras en diversas técnicas como: xilografía, serigrafía, gofrado, punta seca, agua fuerte, aguatinta, zincografía, esgrafiado, papel moldeado, collage, entre otras.

Dentro de la exposición destacan las obras La canción del Baquiné y El Baquiné. La primera consta de 10 imágenes mientras la segunda la conforman 17. El uso del rojo en ambas piezas acentúa la intensidad de las emociones que proyectan los sujetos ante la muerte de un infante. En cada escena, el espectador puede percibir de manera íntima el dolor de una madre. Se trata de “una de las obras magnas de la gráfica latinoamericana”, afirma la Dra. Teresa Tió, curadora de la exposición. De hecho, Tió señala que las estampas de Alicea presentan el baquiné negro en contraste con el baquiné blanco que muestra Francisco Oller. En el portafolio El Baquiné, Alicea no solo ofrece una perspectiva diferente, sino también una experiencia visual única al emplear técnicas como las mencionadas previamente.

La obra de Alicea se distingue por su dominio técnico y experimentación, siendo esta última cualidad la que le ha llevado a desarrollar la técnica de papel fundido. Por medio de ésta, el diseño se integra a la fibra del papel. El artista logra este efecto añadiendo pulpa de papel coloreada previamente con pigmentos textiles a un soporte de papel. La obra Las hormigas cortadoras en el jardín de Xibalba es un tríptico elaborado con esta técnica. En ella, Alicea presenta su visión de la creación inspirado en el Bestiario de Popol Vuh. Para el maestro, las artes y la literatura proporcionan un vasto universo de inspiración y conocimiento. No es de extrañar entonces que su exhortación a la nueva generación de artistas sea desarrollarse sin límites. Alicea recomienda “…aprender de todo, no limitarse solamente a un medio. -Aprender- todas las técnicas posibles que puedan conocer, otras áreas del arte, como la pintura, el acrílico, todo le va a servir de algo. Así que la ocupación del artista incluye todo eso y mucho trabajo”.

Espejo de la Humanidad facilita una mirada a la historia de Puerto Rico, así como a la literatura latinoamericana. Igualmente brinda una clase magistral en composición y color a estudiantes, artistas y admiradores del arte; es una experiencia que da testimonio del poder del lenguaje visual. Dentro de un mundo lleno de distracciones, este lenguaje consigue a través de la belleza que el espectador tome consciencia del mensaje subyacente del texto. Esta exposición estará accesible al público visitante del MUSA en horario de martes, miércoles y viernes de 10:00 am a 4:00 pm, los jueves de 10:00 am a 7:00 pm y sábados de 11:00 am a 4:00 pm.

Espejo de la Humanidad

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Martes de Arte Viva

Valeria N. Quiñones Torres

Valeria N. Quiñones Torres

José A. Báez

José A. Báez

Annie Laura

Annie Laura

Karla Heloise

Karla Heloise

Músicos

Músicos

Charlotte Ramos Rodríguez

Charlotte Ramos Rodríguez

 

Martes de Arte Viva, Mayagüez

Agosto 14, 2019
Emily M. Rodríguez | Antonio Martínez

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Esta actividad surgió como una idea del dueño del restaurante y barra Vinum de Mayagüez. El martes 13 de agosto se dió el evento y se ha denominado como “Martes de Arte Viva” con el propósito de combinar el arte con la música para crear un ambiente que atraiga un público específico. Además de fomentar el turismo en Mayagüez. El dueño del negocio contactó al artista José Ángel Báez y este trajo a 4 artistas más para cubrir la calle con arte. Estos artistas fueron Charlotte Ramos Rodríguez, Valeria N. Quiñones torres, Karla Heloise quienes se encargaron de crear piezas abstractas y expresionistas en lienzos de gran tamaño. Y, además, a Annie Laura quien se une a estos artistas haciendo una danza, la misma especializándose en ballet y baile contemporáneo. Esta logra desplazarse a lo largo de unos pedazos de papel aproximadamente de 7 pies por 5, pegados en la brea para improvisar con su cuerpo y pintura una obra libre y llena de expresión. Mientras estos artistas se encargaban de sus obras, en el centro de la calle se encontraban dos músicos en el saxofón y bajo tocando jazz.

Para ver el arte de los artistas de este evento:

Instagram:
José A. Báez @ galeria716
Charlotte Ramos @ chart_
Valeria N. Quiñones @ valerianahyr
Karla Heloise @ k.heloisearte
Annie Laura @ laurannie94

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